Minimalism is a style of art that exists free of outside influences and deeper meanings.
미니멀리즘은 외부의 영향과 보다 심오한 의미에서 벗어나서 존재하는 예술 양식이다.
It is unconcerned with social issues or the artist’s emotions, focusing instead on the creation of beauty by using a minimum of components.
이것은 사회 문제나 예술가의 감정과는 관계가 없고, 대신 최소한의 요소를 사용함으로써 미를 창조하는 데 초점을 둔다.
The term minimalism was first used in the United States in 1929 to describe an exhibit by the artist John Graham.
미니멀리즘이라는 용어는 1929년에 화가 John Graham의 전시회를 묘사하기 위해 미국에서 처음 사용되었다.
Minimalism became a household word in the 1960s when it was resurrected to describe what would eventually become known as the minimalist movement.
미니멀리즘은 결국 미니멀리즘 운동으로 알려지게 된 것을 설명하기 위해 부활되었던 1960년대에 자주 쓰이는 용어가 되었다.
The movement was focused on precision, with roots in mathematics and geometry.
이 운동은 수학과 기하학에 뿌리를 두면서 정확성에 초점을 두었다.
The artwork featured repetitive patterns of simple colors, with no hidden themes or meanings.
그 예술 작품은 숨겨진 주제나 의미 없이 단순한 색상의 반복적 패턴을 특징으로 했다.
The minimalists felt complex compositions, deep symbolism, and social themes diminished the experience of appreciating the object itself.
미니멀리즘 작가들은 복잡한 구성, 심오한 상징, 사회적 주제들이 대상 자체에 대한 감상 경험을 감소시킨다고 생각했다.
It was this appreciation that minimalists focused on.
미니멀리즘 작가들이 중점을 둔 것은 바로 이러한 감상이었다.
Their art was not self-expression; it was pure visual effect.
그들의 예술은 자기표현이 아니라 순수한 시각적 결과였다.
They didn’t want viewers to be distracted by the need to figure it out.
그들은 관람객들이 예술을 이해하고자 하는 요구에 의해 산만해지는 것을 원하지 않았다.
The term minimalism can be used to describe anything that is created with a similar raw aesthetic, and it has been applied to a wide range of mediums, including music, design, architecture, and literature.
미니멀리즘이라는 용어는 이와 유사한 가공하지 않은 미의식으로 만들어진 것이면 어떤 것이든지 그것을 묘사하는 데 사용될 수 있어서, 음악, 디자인, 건축, 문학을 포함한 다양한 범주의 매체에 적용되어 왔다.
In music, minimalism features repetitive sounds and a steady beat.
음악에서의 미니멀리즘은 반복적인 소리와 일정한 박자를 특징으로 한다.
Minimalist design relies on basic shapes and clean lines.
미니멀리즘 디자인은 기본적인 형태와 깔끔한 선에 의존한다.
Minimalist architecture also makes the most of little decoration, stressing the importance of empty spaces and subscribing to the credo of “less is more.”
미니멀리즘 건축은 또한 빈 공간의 중요성을 강조하고 ‘적을수록 더 가치가 있다.’는 신조에 동의하면서 극히 적은 장식을 최대한 활용한다.
And literary minimalism uses words economically, describing only the basic outlines of a situation and featuring characters who are ordinary people living ordinary lives.
그리고 문학에서의 미니멀리즘은 단어를 경제적으로 사용하여, 상황의 기초적인 개요만을 묘사하고 평범한 삶을 살아가는 평범한 사람들인 등장 인물들을 특징으로 한다.
Not surprisingly, minimalism has been subjected to a flood of criticism.
놀랄 일도 아니겠지만, 미니멀리즘은 엄청난 비판의 대상이 되어 왔다.
It has been dismissed as being less than true art or as being heartless and mechanical.
그것은 진정한 예술이라고 보기에는 부족한 것으로 혹은 감정 없고 기계적인 것으로 치부되어 왔다.
Minimalists essentially forced the art world to confront a fundamental question: When meaning and motives are removed from art, what is left behind?
미니멀리즘 작가들은 본질적으로 예술계로 하여금 ‘예술에 의미와 동기가 빠지면 무엇이 남는가?’라는 근본적인 질문에 봉착하도록 했다.
Critics would likely say it was “a soulless collection of colors and lines.”
비판론자들은 그것이 “색과 선으로 이루어진 영혼 없는 집합체”라고 말할 것이다.
Proponents of minimalism, on the other hand, might claim that the answer is “pure beauty.”
반대로 미니멀리즘 옹호론자들은 그에 대한 답은 “순수미”라고 주장할 것이다.
Regardless of personal opinions about its artistic merit, there is little doubt that minimalism has had a significant impact on the postmodern art scene.
그것의 예술적 가치에 대한 개인적인 의견에 관계없이, 미니멀리즘이 후기모더니즘 예술계에 중대한 영향을 미쳤다는 것에는 의심의 여지가 거의 없다.
The twentieth century witnessed the creation of many innovative and experimental disciplines in the visual arts.
20세기에는 시각예술에서 혁신적이고 실험적인 분야가 많이 만들어졌다.
Among them was what came to be known as “op art,” or “optical art.”
그것들 중에 ‘옵아트,’ 즉 ‘옵티컬 아트’라고 알려지게 된 것이 있었다.
Found primarily in paintings, op art utilizes certain abstract geometric patterns and color contrasts to create a sense of movement in the mind of the observer.
주로 그림에서 발견되는 옵아트는 보는 이가 움직이는 듯한 느낌을 받을 수 있도록 일정한 추상적인 기하학 패턴과 색채대비를 활용한다.
By tricking the eye with such optical illusions, op art explores the relationship between the act of seeing and the act of perceiving what is seen.
옵아트는 그러한 착시 현상으로 눈속임을 일으키는 것을 통해 보는 행위와 보여지는 것을 인지하는 행위 간의 관계를 탐구한다.
Though its foundations were laid as far back as the 1920s and artists have been experimenting with it ever since then, op art did not gain much recognition until the mid-1960s.
비록 옵아트의 시작이 1920년대까지 거슬러 올라가고, 그 이후로 예술가들이 그것에 대한 실험을 해왔지만, 옵아트는 1960년대 중반이 되어서야 비로소 많은 인정을 받기 시작했다.
An exhibition of international op artists in New York City in 1965 called The Responsive Eye was much celebrated by the public.
1965년 뉴욕에서 <반응하는 눈>이라는 국제적인 옵아트 작가들의 전시회는 대중에게 좋은 반응을 얻었다.
Art critics were less impressed, but the popularity of op art continued to grow during the remainder of the decade.
예술 비평가들은 감명을 덜 받았지만 1960년대 후반 동안 옵아트의 인기는 꾸준히 증가했다.
The dominant quality of op-art paintings is that the images appear to be moving or vibrating.
옵아트 그림의 두드러진 특징은 이미지가 움직이거나 진동하는 것처럼 보인다는 것이다.
Many early op-art works were done primarily in black and white, and they relied on geometric patterns and the repetition of lines to give a two-dimensional picture a sense of depth, shape, and movement.
초기의 많은 옵아트 작품들은 주로 흑백으로 이루어졌고, 2차원적인 그림에 깊이감, 형태감, 운동감을 주기 위해 기하학적인 패턴과 선의 반복에 의존했다.
Such techniques could even create the illusion of color.
그러한 기법들은 심지어 색깔의 착시 현상을 일으키기도 했다.
Later paintings that were done in color seemed to flicker or vibrate in the viewer’s eye as a result of the contrast generated when opposing colors were placed close together.
칼라로 이루어진 후기 그림들은 보색들이 서로 가까이 놓일 때 생기는 대비 현상의 결과로 보는 이의 눈에 깜박거리거나 진동하는 것 같이 보였다.
Even though op-art paintings could create the illusion of a third dimension, it was often difficult to ascertain which aspects of the picture were in the background and which occupied the foreground.
비록 옵아트 그림이 3차원 같은 착각을 일으킬 수 있기는 했지만, 그림의 어느 부분이 배경이고 어느 부분이 전경인지를 규명하는 것은 종종 어려웠다.
In fact, as another type of simulated movement, the foreground and background might appear to be continuously switching places.
사실 또 다른 유형의 가상의 움직임처럼, 전경과 배경이 계속 자리를 바꾸는 것처럼 보일지도 모른다.
The op-art movement was truly an international one.
옵아트 운동은 실로 국제적인 운동이다.
Two of the most recognized artists in the discipline were Bridget Riley of England, whose pieces were mostly black and white, and the Hungarian Victor Vasarely, who often painted in color.
이 분야에서 가장 많은 인정을 받은 예술가들 중 두 명은 주로 흑백 작품을 그린 영국의 Bridget Riley와 종종 칼라로 작품을 그린 헝가리의 Victor Vasarely였다.
Thanks to the recognition received by these artists, op art’s popularity skyrocketed in the 1960s, and it began to appear in graphic designs and fabrics.
이 예술가들이 얻은 인정 덕분에 1960년대에 옵아트의 인기가 치솟았고, 그래픽 디자인과 직물 분야에서 옵아트가 등장하기 시작했다.
For example, the women’s fashion industry incorporated the black-and-white style made famous by Riley.
예를 들어, 여성패션 산업계는 Riley에 의해 유명해진 흑백 스타일을 도입했다.
Demand for op art faded with the start of a new decade, but artists continue to experiment with it today, and exhibitions are held regularly.
옵아트에 대한 수요는 1970년대에 접어들면서 줄어들었지만, 예술가들은 오늘날에도 그에 대한 실험을 계속하고 있으며 전시회도 정기적으로 열리고 있다.
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